A ILHA

Talvez eu esteja errada, mas o ultimo longa-metragem paraense que estreou em Belém do Pará nos últimos anos foi na década de 1960, precisamente em 1965. Este feito aconteceu pelas mãos do cineasta paulista (erradicado no Pará), Líbero Luxardo. E de lá para cá, nada mais nesse sentido. É certo que temos na terrinha bons, e até excelentes realizadores veteranos e jovens que insistem arriscar-se num Set com suas corajosas equipes de filmagem, e há resultados de média e curtas metragens (de ficção e documentários) de boa qualidade, sem dúvida.

Entretanto, não é tarefa fácil, quando um longa vinga sem recursos e patrocínios financeiros, como é o exemplo de A ILHA, do jovem cineasta/ator Mateus Moura. Mas em se tratando de Cinema, quando o filme tem algo a dizer, ele encontra qualquer caminho viável para tornar-se realidade. O espectador mais atento conseguirá extrair desta produção, o nível cultural e de comprometimento com a linguagem e história do Cinema, ao qual a equipe possui e emprega na produção do filme. Posso até mesmo dizer que Mateus ousou em manter-se firme e fiel à sua estética pessoal, o que eleva seu filme ao status de obra artística.

Eu já havia acompanhando os trabalhos de cunho experimental deste carioca de vinte e cinco anos que reside no Pará há dezesseis. E acredito, que assim como o encanto que se abateu no veterano Líbero Luxardo, Mateus também tenha sido mundiado pelas misteriosas energias que regem essas terras caboclas, aguçando ainda mais sua criatividade.

A ILHA – longa-metragem (62 min. Digital. Cor. Brasil. 2013), conta uma estória de ficção tendo seu argumento e direção assinados pelo jovem cineasta, que se baseou nas lendas registradas na Ilha de Cotijuba (onde o filme foi rodado). Esses rumores surgiram à época do educandário “Nogueira de Faria” que abrigava menores infratores, mesmo local que no período da ditadura Militar, tornou-se instalação para presos políticos, gerando horror e desespero nos moradores locais, cuja angustia atravessou o tempo em forma das lendas nas quais se inspirou o diretor.

O que me encantou neste trabalho de Mateus Moura foi observar a maturidade do então jovem diretor em manter seu estilo (que já se observa o embrião em seus curtas experimentais anteriores). Neste trabalho mais elaborado d’A Ilha há sequencias despretensiosas como apenas um balançar de folhas no meio do mato cercado pelos sons dos passarinhos;  a fachada ao longe de um cemitério solitário e entristecido pelo arrastar das ondas que se ouvem quebrar; o casal protagonista imerso no seu universo cotidiano sem pressa, gerando no publico o estado psicológico necessário para absorção daquela realidade natural e despreocupada que ronda os moradores ribeirinhos.

Há quem dissesse, após o termino do filme, que achou desnecessárias essas breves sequencias “paradas”, que aparentemente “não dizem nada”. Percebi a destreza na montagem ao mostrar no longa esse tempo mais lento que vivem os moradores ribeirinhos (que também sugere haver naquele local um mistério e misticismo rondando). Tudo sem palavras, sem forçação de barra, utilizando tão somente as imagens. Já havia notado – e gosto muito – esse tempo mais sutil, ao qual Mateus se vale nos seus trabalhos em audiovisual; certamente proveniente da educação de seu olhar pelos filmes asiáticos acrescido pelo seu gosto literário pessoal.

Outro ponto a referir-se na montagem, é a utilização do recurso da metalinguagem. O sobrenatural rondando a vida do casal, sugerida através da obra de ficção ao qual eles assistem no DVD. Uma narrativa sutil e bem construída. Agradei-me bastante também da fotografia do filme (sob a direção de Rodolfo Mendonça) e do aproveitamento máximo da beleza natural das locações. A trilha sonora contribuiu para esboçar o clima nostálgico parado no tempo, com as musicas antigas e de sonorização acanhada de radinho; a paisagem sonora também erguida nos momentos certos. Em alguns trechos cujo recurso de Slow Motion fora utilizado contribui de sobremaneira para fortalecer o mistério que ronda o lugar além de acentuar a angustia e tristeza vivenciadas pelos protagonistas, devido a recente perda. O abafado lamento expressado na sequencia em silencio da ida do casal ao cemitério para o sepultamento onde são levados pelo cavalo puxando a carroça que os transporta... sequência que aliás (acredito) fazer leve homenagem ao filme “O Cavalo de Turim” (2011), de Béla Tarr e também ao maravilhoso clássico “A Carruagem Fantasma” (1921), de Victor Stöström; filmes que certamente somam na educação visual e de estilos do diretor.

Outro ponto positivo a se mencionar, em minha opinião, são as atuações das atrizes Rosilene Cordeiro e Carine Ramos; interpretações sem exageros e com bastante verdade. Mas acredito que o ponto máximo dessa produção independente que estreou na terça-feira ultima (15/10) no circuito alternativo de Belém/PA, está em apresentar para a sociedade audiovisual paraense estes jovens talentos do cinema que, se por acaso não têm patrocínio e/ou credibilidade suficiente para conseguir apoio cultural qualquer que seja, metem a cara para a realização de um longa metragem. A equipe acredita em si e fez parir o filme A Ilha com a dignidade de quem realmente confia no seu trabalho.

Umas limitações, que acredito terem surgidas pelo recurso independente da produção, foi a captação do áudio um tanto abafada que dificultou um pouco a compreensão do discurso de abertura do filme; e outro fator (de meu inteiro gosto pessoal mesmo) que me desagradou foram os Fades [Out e In] de imagem, utilizados em demasia. Mas isso em nada embota a dignidade do primeiro longa metragem de Mateus Moura assistido pela produtora paraense Maria Preta, em parceria com a INSULAR produções, Coletivo de Cinema Quadro a Quadro, e Coletivo de Cinema Miritismo.

Vida longa ao Cinema Paraense!

Hellen Katiuscia de Sá

16 de outubro de 2013, 17:16h.

*Veja o Trailer

OS GÊNIOS TAMBÉM AMAM

O que acontece quando duas almas grandiosamente sensíveis e possuidoras de genialidades diferentes ousam ligar-se uma à outra de uma forma absolutamente integral? Além de transformarem-se mutuamente, transformam o meio. E quando esse meio está às voltas de uma atividade artística, as explosões de ideias e de emoções emergem com toda sua fúria e frescor gerando frutos que cintilam e entram para a história da civilização como obras-primas.

Na Natureza, algumas paisagens são pintadas pela brutalidade a ferro e fogo por conta de tempestades, tufões, cataclismos, terremotos... e após essas devastações, algo surge trazendo a renovação de tudo. Um renascer mais vigoroso, mais sólido, mais maduro. Assim aconteceu por coincidência(?), quando duas almas se encontraram na Terra; se (re)conheceram e se entrelaçaram sem muito saber que já nasceram para completarem-se desde sua criação quando ainda transitavam no Invisível das coisas. Trouxeram consigo esse elo misterioso que nos dá medo quando uma emoção inexplicável transborda nos olhos, e que também nos faz temer, e mesmo diante das contradições, emerge a vontade de viver tudo intensamente como uma chama revoltosa e magnificamente viva que consome quem um dia soube realmente amar e ser amado por alguém.

Tanto o encantamento, quanto o medo do desconhecido, da vontade de fugir de se entregar a algo assim tão grandioso e assustador – a descoberta do Amor Verdadeiro em sua forma sublime, e também humana; em sua forma virginal... a Primavera da vida na sua fase em botão... quando o Amor revela-se para mentes brilhantes. Assim como o sentimento sublime une duas almas que se completam, assim também as poderia separar(?); como aconteceu na trajetória das vidas entrelaçadas entre os suecos Liv Ullmann (atriz) e o cineasta (e também escritor, dramaturgo, diretor e produtor de cinema) Ingmar Bergman.

Recordar é viver? Neste caso, para Liv lembrar-se de sua vida com Bergman, é transcender ao recorte do Tempo que tudo solda, resgata, confirma, costura e rasga por dentro recordações e sentimentos não mais revoltosos e apavorantes de solidões; incompreensões; ciúmes; abandono; superproteção; companheirismo, cumplicidade... restando para a atriz, apenas uma saudade amadurecida.

Numa conversa, quase confissão para si mesma, o documentário “LIV & INGMAR – UMA HISTÓRIA DE AMOR” (já disponível em DVD), sob delicada direção de Dheeraj Akolkar, conduz o espectador comum (e fãs da Sétima Arte), a um olhar oceânico sobre o que duas energias humanamente grandiosas, e contrárias até certo ponto, puderam tecer de bom para o mundo do Cinema, e também para seus desenvolvimentos pessoais e particulares enquanto Partículas Divinas em evolução na Terra.

Ele – um Canceriano mergulhado em seu mar de emoções, sensibilidades, possessividades, criatividade; um coração sensitivo – próprio aos nativos de Câncer, do Zodíaco – signo da Água perdido em suas correntezas regidas pela Lua, emotiva e imprevisível. Ela – um Sagitário, signo do Fogo, racional... que adora liberdade e expansão. Uma combinação improvável pelos Astros. Se juntos ficassem, seguiriam um consumindo implacavelmente o outro... mas, uma união e cumplicidade possíveis apenas pelas mãos, braços e pernas misteriosas do Amor. Assim foi. Aconteceram os conflitos esperados, até ambos encontrarem a Liberdade e equilíbrio necessários. Após cinco anos casados e com uma filha, registro sincero dessa união; Liv e Ingmar decidem dolorosamente viver suas vidas cada um, porém o inexplicável elo perdurou até que Bergman seguiu primeiro naquela Viagem inevitável para todos nós.

O documentário é bastante suave. Dheeraj Akolkar utiliza-se de recursos intrigantes para ilustrar as passagens de vidas em comum do casal, narradas por Liv Ullmann. Trechos de filmes encenados por ela e dirigidos pelo marido – depois apenas pelo então amigo Bergman, dão luz e voz à imaginação das palavras ditas pela atriz. Há também trechos lidos das cartas escritas pelo diretor sueco à sua ruiva musa, as quais revelam o lado doce e temperamental de Ingmar. Esse ponto me arrancou lágrimas de surpresa, emocionou- me muito... fiquei feliz em saber do cineasta uma coincidência que também acontece comigo: escrever cartas que segredam letras reveladoras de sentimentos. Às vezes escrever é melhor do que falar. A palavra silenciosa do papel pode traduzir mais os sentimentos densos, volumosos, às vezes não compreendidos pela força do impulso; que se acaso fossem ditas, não seriam palavras tão verdadeiras como as cumplices agarradas na caligrafia dum papel.

Outra passagem que também me fez chorar, foi no ponto do filme onde tão singelamente Liv partilha com o publico sua hesitação quando jovem, ao perceber-se apaixonada por Bergman. Ela (relatando bondosamente sua experiência de vida) me fez compreender o que eu própria sinto por alguém, e me deu a resposta. Por serem sensações nunca antes experimentadas, me causavam aflição na iminência de me arrancarem lágrimas. Estar apaixonada e vencida ao ser descoberta pelo Amor Verdadeiro de sua vida, realmente apavora, por causa do desconhecido que inevitavelmente irá consumar-se, indiferente à sua vontade ou não. O documentário “LIV & INGMAR – UMA HISTÓRIA DE AMOR”, além de trazer à Luz pequenas generosidades que a atriz Liv Ullmann oferece e que satisfazem aquele sentimento secreto de cumplicidade entre os amantes do Cinema com seus ídolos, é também uma fonte inspiradora para acreditar que sim, o Amor Verdadeiro (diferentemente do slogan da TIM...), realmente é sem fronteiras.

Katiuscia de Sá.

Escrito em: 10 e 11 de Outubro de 2013; às 03:23h.

curtametragem "Os óculos do Vovô"

=) Você sabia?

O MAIS ANTIGO FILME BRASILEIRO DE FICÇÃO, "Os Óculos do Vovô" (1913), foi dirigido por Francisco Santos, pai do grande filósofo Mário Ferreira dos Santos, o qual, aliás, interpreta o garoto do filme.

O LADO ESCURO DA LUA – “Black Moon”, de Louis Malle.

Num comentário rasteiro e ingênuo (e até grosseiro!), pode-se resumir “Black Moon” (1975), de Louis Malle (1932-1995) como possível versão inspirada (bem de longe, eu diria...) em “Alice no País das Maravilhas” (literatura infanto-juvenil escrita no séc. XVIII por Lewis Carroll); ou resultado criativo duma viagem psicótica após o fumo de algum matinho seco prensado; ou ainda como possível portal para o mundo dos sonhos, aderindo ao filme características de realismo fantástico; e só estas comparações já enquadram a obra do diretor francês como surrealista devido o enredo ser de difícil acesso, já que as personagens e suas ações (mais as diversas simbologias contidas no filme), não ajudam muito: há uma velhota fofoqueira (Therese Giehse) estirada numa cama e que adora mamar nas moças que aparecem à sua frente. A velha ainda atura um mucurão rabugento chamado “Humphrey”, que vez por outra entra no quarto dela para escrotiá-la; acrescido a isso há vários animais silvestres e de fazenda convivendo na maior com os moradores de uma enorme casa de campo. Outro estranho personagem é um unicórnio falante e presunçoso de medidas XGGG, pra lá de horroroso. Também há um bando de criancinhas peladas correndo junto ora com ovelhas, ora com os porcos... Há ainda dois irmãos – um rapaz e uma moça (Joe Dalessandro e Alessandra Stewart), que se comunicam por meio sinestésico (que alguns críticos apontam como incestuosos dentro da trama) – eu particularmente não vi indícios de relação incestuosa alguma entre eles no filme, mas enfim... cada um vê o que quer. Os acontecimentos se desenrolam imersos numa guerra fajuta entre homens e mulheres se matando ao longo de uma estrada por onde a estúpida adolescente “Lily” (Cathryn Harrison) foge até encontrar esta fabulosa casa de campo.

Há quem considere o filme de cozimento vagaroso – uma maniçoba Light e sem sal (mas vale lembrar que se trata de cinema de Arte, e por isso mesmo pede ao espectador dois ingredientes surpresa para poder saboreá-lo: conhecimento e cérebro pensante). Não achei o filme lento. Gostei; sobretudo dos takes externos, pois achei a luz natural da paisagem lindíssima, ajuda a construir a atmosfera onírica reforçada pelas cores pastéis ao ar livre. As filmagens aconteceram em propriedade do próprio diretor, no sudoeste da França. A fotografia, assistida pelo sueco Sven Nykvist, parceiro de Bergman, em muitos momentos lembrou-me bastante as cores e atmosfera dos filmes absurdos de outro diretor genial e assumidamente simbólico e feiticeiro – Jan Svankmajer, cujo trabalho misto em Stop Motion e Live Action eu adoro mesmo!

Confesso que as cenas ao ar livre de “Black Moon” me deixaram bastante relaxada devido às tonalidades suaves e a proximidade dos sons da Natureza, também me fizeram lembrar meus fugidios momentos travessos de infância jogada no mato e enfiada na terra úmida, geladinha; uma beleza(!), quando eu teimava em brincar  com os animais criados no quintal da casa de meus avós (depois disso eu sempre ficava mal com alergia na pele e/ou asma devido à poeira, e ainda levava uma surra ou bronca de meus pais biológicos, mas nunca me abstinha dessa diversão natureba).

Falando mais sério agora. “Lua Negra” é daqueles filmes que requerem (mesmo) no mínimo, um entendimento médio que seja, sobre os códigos linguísticos de variados campos do conhecimento, justamente por tratar-se de uma obra cinematográfica que invoca o Surrealismo para estabelecer diálogo com seu espectador. Para falar sobre o filme, vou resgatar alguns pontos-chave que pude perceber, para ajudar a tecer conexões possíveis para compreensão do inteligível.

Poucos filmes de Arte que assisti até hoje me parecem tão herméticos, mas “Black Moon” de Louis Malle... JesusMariaJosé! É hermético mesmo. E como as passagens secretas para estes mundos maravilhosos normalmente estão na cara da gente, pela simplicidade. Frequentemente a chave da Porta está escondida dentro de algum vaso do hall de entrada da casa... quem lembra do principio básico sobre o equilíbrio do Universo sabe onde ir nesses casos. “Lua Negra” prescinde conhecer um pouco sobre iconografias do Ocultismo; simbolismos provenientes das religiões pagãs da Baixa Idade Média Nórdica; uns Dogmas Católicos e um punhado de conhecimento de Psicanálise, e o ingrediente mais importante (eu diria), estar aberto ao convite da viagem que o filme nos acena. Como mencionei ainda pouco, alguns críticos consideram o filme lento demais, e por isso cansativo. Acho que algo só é cansativo quando não há o entendimento ou não nos permitimos construir uma ponte para tal.

A escassez de dialogo coerente aponta que (talvez) a narrativa se dê exclusivamente através das ações das personagens e da simbologia contida nisso; ou seja, pelo caminho sensorial puramente, e nada mais. Sem enquadramentos performáticos ou utilização de recursos sofisticados de câmera, ou efeitos especiais, ou música. O longa-metragem acontece pela via do enigma. Um Tempo-Espaço psicológico da cabeça das personagens, e estes (quase todos) sugerem possuir poderes místicos.

O primeiro link que consegui tecer nesta obra de Malle veio através da associação do nome da personagem “Lily” com o titulo do filme; pois “Lily” tranquilamente pode ser apelido/diminuitivo de “Lilith”, da antiga língua hebraica, que segundo a mitologia babilônica (cujos relatos em figuras esculpidas em terracota datam de cerca de 1.500-2.000 a.C), trata-se de um demônio feminino que habita o inferno dos infernos (personagem também mencionada na Cabala), sendo esta mesma figura revelada de maneira MUITO sutil nos textos Bíblicos do Antigo Testamento de forma bastante dissimulada, requerendo indicações contidas no livro de Ben-Sira para abstrair essa compreensão. Aqui consta “Lilith” ser a primeira mulher criada por Deus, era muito gostosona e sensual e ainda possuía asas, mas disputava com Adão a igualdade entre os sexos, – a-há! seria ela a primeira feminista na história da Humanidade a rebelar-se contra o sistema patriarcal? Inclusive tranquilamente fiz essa leitura da disputa de igualdade entre os sexos quando vi a guerrilha entre homens e mulheres no decorrer do filme de Louis Malle.

A primeira sugestão da existência de “Lilith” nas Escrituras acontece na passagem da Gênese sobre a criação de Adão e Eva. Deus criou Adão e de sua costela Ele criou sua companheira, porém foram duas tentativas do Divino. A primeira fêmea criada foi “Lilith” e não Eva... sendo o segundo humano da Criação [que também veio do pó da terra] uma criatura de aparência feminina, mas com atitudes e instintos Alfa – comparados ao Homem –, e por isso mesmo uma criatura independente/emancipada que não se submetia ao macho durante a relação sexual e devido a isso foi rejeitada por ele; a terceira criação em forma humana que Deus fez – tendo agora como matéria-prima a costela de Adão – foi Eva, e esta sim foi aceita pelo homem como digna de ser sua companheira (pois mostrou-se submissa a ele) – já traçando parâmetros com os dois irmãos do filme, podemos compreende-los com essa alegoria, seriam eles uma versão fílmica moderna de Adão e Eva (mais sua irmãzinha ovelha-negra da família – “Lilith”), que se formos ao pé da letra, são irmãos quase univitelinos pois um foi criado por Deus, e também a outra do pó da terra feito Adão e a terceira da costela do primeiro, sendo os três filhos do mesmo Pai.

É interessante perceber outra pista velada desse triangulo familiar, quando a mocinha estúpida “Lily” [que no inicio do filme está com roupas e aparência de homem, sugerindo essa independência/rebeldia dela do julgo masculino...] compreende que o nome dos dois irmãos também é Lily... É coerente saber que a figura da primeira mulher da Criação é também a Serpente (algumas pinturas da Renascença e esculturas sagradas da Antiguidade pagã deformam “Lilith” com um busto feminino com asas e ancas de serpente; ou quando não uma figura feminina que controla os animais, sobretudo as cobras – no filme de Malle há passagens em que “Lily” se depara com algumas; e talvez explique a casa repleta de bichos); e na Gênese é Lilith-serpente quem dá o fruto proibido à abestadinha Eva para ela persuadir o sem-noção do Adão também ingerir o alimento.

O Bíblico Jardim do Éden a meu ver pode tranquilamente ser alegoria da primeira infância do homem, quando tudo é simples e sem sofrimentos onde lhes é oferecido os cuidados de um pai; e a expulsão do casal deste lugar representa a passagem para o mundo adulto repleto de angustias e ansiedades, pois agora é a fase da utilização do Saber e arcar suas consequências. Após a ingestão do fruto da árvore proibida – que não à toa, é chamada “Árvore da Vida e do Conhecimento do Bem e do Mal” –, Adão e Eva “abrem seus olhos” (a Terceira Visão, talvez?) sendo expulsos do Jardim do Éden (e “Lilith” também sai com o rabinho entre as pernas), e todos vão viver do sustento de seu trabalho no campo – assim como os irmãos-Lily vivem no filme.

Outra possível pista atribuída ao enlace harmonioso entre Adão e Eva e do momento em que “acordam” seus sentidos por comerem o fruto proibido, sendo expulsos do Jardim do Éden para o mundo perdendo sua condição eterna, é o texto poético que a velha vigiada pelo mucurão dita através da boca de “Lily”, lá pelo meio do filme; momento muito intenso, forte, bonito. Delicado, aliás. Acho que foi a passagem do filme que mais gostei. Eis o texto:

“Esperança...

Esperança.

Noite de amor que nos rodeia.

Olhos, dias como lembrança em um só suspiro.

Unidos...

Unidos... em um só suspiro.

Mas... o dia se desvanece com todo seu brilho.

Toda poderosa morte – Mágica.

Mágica morte, que ameaça minha vida.

Como poderia?

Como poderia perecer o eterno?

Almejando a cegueira perpétua,

onde para sempre a esperam o amor e o êxtase.

Coração com coração.

Boca com boca.

Tudo é ilusão.

Liberte-nos desse mundo.

Sonho de eternas promessas.

Nossos corações anseiam...

E à morte,

os homens não chamaram bela e vã ilusão.

Doce e esperado anseio.

Nunca despertar.

Nunca temer.

Ali, sem nome.

Um ao outro, pertencendo.

Apenas com amor,

a fonte da vida”.

“Lilith” em algumas religiões sumérias pagãs era cultuada como deusa da Lua e da fertilidade, com suas fases comparadas ao satélite da Terra. Ou seja, a deusa era bipolar coitadinha... tinha suas fases boas (claro) e ruins (escuro); daí a associação com o nome do filme, e com o próprio comportamento oscilante de “Lily” na trama – comportamento aliás abertamente contestado nas falas do unicórnio presunçoso. Há ainda a questão de “Lilith” ter sido castigada por Deus devido a mesma não ter se submetido a Adão. Como castigo ela sofreria abortos de cem filhos por dia e não seria capaz de criar seus próprios rebentos caso eles vingassem, seriam todos órfãos na condição de pequenos vampiros alimentados por carne crua e/ou sangue humano – seriam estes representados pelo bando de criancinhas peladas no filme de Malle? Talvez. Há uma pista disso, pois no filme essas criancinhas se alimentam de carne crua...

No final das contas, tanto Eva quanto Lilith representam as faces femininas com suas fases lunares ora submissas, uns anjos... ora demônios e cheias de fuleragens para com seus namorados/maridos/amantes. Devo seguir e perseverar neste texto. Embora eu escreva somente sobre filmes (ou obras artísticas que eu tenha gostado muito), confesso estar com baita preguiça para escrever este aqui. Há muitos pormenores a costurar em “Lua Negra” para sua compreensão, e de antemão decidi não discorrer sobre todos os retalhos para não quebrar o encanto e independência da rede tecida pelos famintos espectadores. É bom dar apenas a rede e ensinar a pescar..., pois o trabalho dignifica. E este texto não é único nem definitivo falatório sobre o famigerado filme surrealista de Louis Malle.

Falemos agora da figura do unicórnio de medidas XGGG – um ser mitológico e lendário com aparência de equino com um chifre em espiral cravado no meio da testa. Na China Medieval era dito como símbolo régio de honestidade e poder; tendo ainda autoridade para combater as injustiças cometidas pelos homens e também possuir faculdade magica de engolir os eclipses do sol, dissipando as Trevas. Seu chifre representa a espada de Deus, raio solar ou flecha espiritual, a Revelação Divina. No Catolicismo representa a iconografia do Dogma Máximo da virgindade de Maria (a mãe de Cristo), mulher comum fecundada pelo Espirito Santo; o mesmo chifre  também faz alusão ao seio materno de Maria que alimenta o Menino-Deus com seu leite. Para os Alquimistas o chifre do unicórnio representa a sublimação da sexualidade, sendo ele um falo psíquico e pela sublimação dos desejos da carne também é visto como alegórica abertura do Terceiro Olho – o portal psíquico que dá acesso ao Nirvana, o caminho possível para decifrar os enigmas herméticos transformadores dos elementos brutos em ouro (pureza máxima). É este unicórnio que “Lily” persegue mais da metade do filme, e é ele quem dá algumas pistas à estupida mocinha para seu bem-viver, mesmo assim a garota não é capaz de entender sua condição ou o que acontece ao seu redor; agindo sobretudo, por impulso, atirando-se em direção aos seus erros e acertos.

Engraçado que no final do filme “Lily” é persuadida a alimentar o próprio unicórnio com seu leite juvenil. Seria talvez a alegoria da incansável misericórdia de Deus em perdoar suas criaturas, trazendo-as de volta à Luz – o ponto inicial da Criação? Pois como já foi dito em paragrafo acima, a figura do unicórnio carrega o simbolismo do Fogo Divino e seus atributos. Algo que modifica, suplanta, resgata; e por isso mesmo abre caminho para mudanças, para novos horizontes, novos experimentos. Mesmo o titulo do filme se for compreendido pelo viés astrológico, também sugere o caos que antecede as mudanças (ou rito de passagem). Tudo sugere estar em transito, em mobilidade, abrindo possibilidades de que sempre podemos mudar, interferir no curso de nossas vidas para bem e melhor; sem escaparmos contudo, das consequências das escolhas que nos levarão a esse fim, pois no Universo as coisas são sempre equivalentes.

Hellen Katiuscia de Sá

Escrito em: 29 de Julho; 01 e 02 de Agosto de 2013.

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BLACK MOON (Lua Negra) – Ficha Técnica:

Gênero: Drama

Direção: Louis Malle

Roteiro: Ghislain Uhry, Louis Malle

Elenco: Alexandra Stewart, Cathryn Harrison, Joe Dalessandro, Thérèse Giehse

Produção: Claude Nedjar

Fotografia: Sven Nykvist

Trilha Sonora: Diego Masson

Duração: 100 min.

  

*Confira também outro excelente texto sobre o filme:

http://diariodonordeste.globo.com/materia.asp?codigo=774173